Вы читаете перевод статьи «10 ways to develop your illustration style» от Тома Фроуза, иллюстратора и дизайнера из Ванкувера. Переводы — это один из моих способов исследовать возможности в творческом мире.
Найти свой стиль трудно, а менять его еще труднее. Но тот, кто не боится неудач и готов хорошо потрудиться, получает интересные и приятные по оплате заказы.
Активно экспериментировать с рисунками я начала в 2016-м году. Перебрав за 8 месяцев свыше 80 творческих техник мне удалось получить то, что я могла бы назвать «Первая версия авторского стиля» (+ пост о первой версии в Insta). Именно этот стиль и стал поворотным, чтобы затем получить от издательства МИФ заказ на книгу. С тех пор я продолжаю экспериментировать и усиливать собственный конструктор стиля новыми элементами.
Скажу по секрету, что во время поиска первой версии стиля мне пришлось копаться в себе не меньше, чем рисовать и экспериментировать. Поэтому в статье вас ждет микс упражнений как вокруг ваших рук и глаз, так и вашего собственного “я”.
— Настя Никсен, иллюстратор и бренд-дизайнер
В этой статье я надеюсь сделать доступнее процесс разработки собственного стиля и поделиться тонкостями, которые помогут продвинуться в важном для вас направлении.
Сложность темы про стиль заключается в том, что точное определение стиля и его значимости у различных художников-иллюстраторов разное. Одни считают, что у них очень выверенный стиль, другие не хотят так себя ограничивать. Например, такие иллюстраторы, как Jing Wei или Magoz, последовательно придерживается своего стиля и техник в работах. А такие иллюстраторы, как Кайл Т. Вебстер или Стефани Вундерлих, наоборот выделяются большим разнообразием решений, как по стилю, так и техникам, но при этом обладают сильным, узнаваемым визуальным голосом.
Меня лично восхищают иллюстраторы из первой группы, но сам я больше отношусь ко второй половине (активно экспериментирую со стилем и техниками). Конечно, я не раз думал, что мне следует быть более дисциплинированным и последовательным в работах, но оказалось, что я обожаю творческие эксперименты и миксологию, и не готов жестко придерживаться одной стилистики.
Вопрос о том, что такое стиль и какое он имеет значение в жизни художника я плотно изучаю уже давно. И понял, что, пожалуй, самое важное для меня в деле стиля — это вкладывать душу в работу и получать при этом удовольствие. Поэтому техники и приемы в рисовании, графические инструменты и сюжетные ходы в каждой работе, должны отражать мои ценности и мой подход к делу.
Стиль приходит с практикой, методом проб и ошибок и, как вы уже догадались, терпение здесь тоже очень важно. Но не мне вам рассказывать. Итак, держите десять советов, которые помогут и вам найти или усовершенствовать ваш собственный стиль.
Шаг 1. Нащупайте долгосрочную цель (goal)
Чувство движения в верном направлении — очень важный момент, независимо от того, на каком этапе пути развития в иллюстрации вы находитесь (это важно как новичкам, так и профи, так как всегда есть куда расти). Когда у вас есть цель, есть к чему стремиться, а значит, есть четкое направление. Если цель ускользает, то мы склонны блуждать и вовсе не посвящать себя какому-то одному делу значительный период времени, чтобы осознать, получается ли оно на самом деле.
Понятие «цель» в английском: Aim — желаемый результат; Goal — долгосрочная цель; Objective — краткосрочная цель.
Сформулировать долгосрочные цели могут помочь наводящие вопросы. Если вы новичок, то для старта не столько важно выбирать какие-то конкретные техники, инструменты или тютюрюшки для своей работы, сколько изучать ту творческую нишу частью которой вы хотите быть. Кто ваши любимые иллюстраторы? Где появляются их работы? Кто их клиенты? Какого рода иллюстрации вы хотите создавать? Где или как вы хотели бы, чтобы использовались ваши работы? Кто клиенты вашей мечты? Если вы сможете ответить на эти вопросы, то сможете схватиться за направление. Итак, какую долгосрочную цель вы поставите перед собой?
Эти вопросы просто необходимо задать себе уже в самом начале пути, так как их влияние определяет направление движения и скорость вашего развития в иллюстрации.
Шаг 2. Вкладывайте больше сил в каждую работу
Если вы следите за творчеством любимых иллюстраторов, то наверняка можете сходу распознать их работы и без подписи. Как вы это делаете? По каким признакам? Может быть, по тому, как они работают с цветом или лайном? Возможно.
А еще вы, наверняка, уже замечали, что у лучших иллюстраторов встречаются повторяющиеся паттерны (закономерности) во всех их работах! При этом речь вовсе не о классических графических паттернах, таких как “в клеточку” или ”в горошек” (хотя и они могут быть частью особенного стиля иллюстратора). Присмотритесь еще раз, к работам иллюстраторов: какие символы они зашивают в свои работы, кого чаще изображают - людей или “шестеренки”. Уверен, что на старте работы, во время сухой постановки задачи (ТЗ) этих сочных деталек не было, и иллюстратор привнес их в процессе, вложив в работу авторский подход и внутренний мир.
Попробуйте для тренировки поразбирать работы Стефани Вундерлих (Stephanie Wunderlich) с ее выразительными стилизованными фигурами или Олимпии Загноли (Olimpia Zagnoli), одержимой непрерывными линиями и паттернами.
Время от времени просматривайте собственные иллюстрации, ищите закономерности и подумайте, над тем, что именно они символизируют.
Шаг 3. Отыщите вдохновляющих героев
Найдите художников-иллюстраторов, чьи работы отражают авторский стиль, к которому вы стремитесь. Изучите их творческий подход, вдохновитесь их работами, и даже не стесняйтесь подражать. С практикой ваш стиль начнет меняться и уйдет от простого подражания: однажды вы начнете видеть их работы в новом свете, захотите что-то менять, так и начнут появляться присущие только вам авторские ходы. А еще учтите, что у вас, будет не один герой, поэтому ваша работы будет насыщена самыми разными влияниями.
Шаг 4. Наблюдайте окружающую реальность и делайте зарисовки
Это может показаться странным, но очень много иллюстраторов вовсе не любят рисовать, особенно с натуры. Однако рисование с натуры — один из лучших способов нарастить иллюстраторские навыки. Когда я говорю о рисовании с натуры, то имею в виду рисование во время наблюдения (иллюстратор-исследователь). При этом этом не имеет никакого значения, в какой технике вы будете это делать. Думаю, что многие не хотят рисовать с натуры, потому что им трудно в принципе рисовать в реалистичном стиле. Но в данном случае куда важнее сам процесс, чем реализм.
Рисовать на бумаге очень полезно – это развивает смелость. Особенно, когда рисуешь на бумаге нестираемым материалами: тушь, краски, линеры … Главное, при рисовании с натуры стремиться уловить сам момент, ухватить эмоцию, форму, суть, ракурс — это очень сказывается на развитии скорости принятия творческих решений.
— Настя Никсен, иллюстратор и бренд-дизайнер
Шаг 5. Упражняйтесь в рисовании по памяти: качайте зрительную память
Те, кому зарисовки с натуры или реалистичное рисование даются легко, предлагаю вариант посмелее — суметь отказаться от всякого подобия реализма и рисовать не задумываясь (интуитивно), так, как это делает ребенок.
Держите творческое задание: на белом листе нарисуйте как можно больше предметов по памяти. Какой бы предмет ни всплыл в голове, просто нарисуйте его, а затем переходите к следующему. Главное – никаких подглядываний на реальные предметы или референсы!
Еще одно упражнение: нарисуйте несколько объектов из реальной жизни или эталонных изображений, а затем попробуйте нарисовать их снова по памяти (опять же, не подглядывая в эталоны или первые зарисовки). Мне нравится это упражнение, потому что оно побуждает нас рисовать, опираясь на разрозненные кусочки информации в нашей памяти. То, как мы заполняем пробелы в памяти, или то, как вы умеете работать с такими вещами, как перспектива и станет подсказкой для вашего естественного стиля рисования.
Шаг 6. Проявляйте творческий подход, а не просто подражайте
Новичку иллюстратору, конечно, проще что-то просто срисовать, как видишь, чем авторски преобразовать и переработать. А еще на старте это кажется безопаснее. Когда действуешь в лоб и рисуешь по референсу, то принимаешь значительно меньше творческих решений. А еще когда просто перерисовываешь работы мастеров, то вряд ли вас будут критиковать за плохую идею, цвета и формы, так как вы же просто рисовали по готовой иллюстрации. Напротив, вольные эксперименты – всегда риск: намеренные искажения формы, смелые цветовые решения и замысловатые символы/образы. Однако, иллюстратор все же должен качать смелость, чтобы превращать обычные идеи или объекты в нечто более символическое или идейное.
Хороший иллюстратор способен превратить обычную идею или предмет в нечто более символическое или идейное.
Для этого иллюстратор отбрасывает определенную степень реалистичности или правильности и дает волю своему творческому порыву.Такиеиллюстраторы не просто копируют то, что видят в реальной жизни, и дословно переносят это на бумагу — у них другой подход, они действуют иначе (прорабатывают идейный слой, сюжет, а не только визуал). Ценность иллюстраций заключена в идейном, эмоциональном слое, выраженным в образах. Простым примером ухода от реализма и правильности является карикатура, в которой черты героя акцентируются, преувеличиваются или искажаются, но при этом общее сходство остается. Вот это и есть один из примеров творческого подхода, интерпретация. Также, как пример, рекомендую взглянуть на обложки книг в стиле модерн или обложки джазовых альбомов 1950-1960-х годов. Художники того времени отказывались от рисования в лоб в пользу более абстрактных элементов цвета и формы и старались таким образом выразить неосязаемое.
Подражать чужим работам можно, но делать это советую с умом. Попробуйте использовать несколько источников вдохновения (а не один). Когда референс один, вы его скопируете, когда их несколько, вы их перемолете, как в мясорубке, и получится ваша собственная котлетка. Проанализируйте собранные референсы (стили, техники, сильные стороны художников) и замиксуйте увиденное в своей работе — так вы получите не точную копию чьей-то иллюстрации, а микс из интересных творческих ходов.
Для укрепления своего стиля я также использую еще один подход: не перерисовываю понравившиеся иллюстрации полностью, а графически анализирую их отдельные части: тренируюсь в композиции, подборе цвета, ракурсов, форм и т.д. Зарисовываю в скетчбук в виде небольших композиционных скетчей или пробую намазать палитру из работы другого художника на свои иллюстрации (быстрый покрас пятнами).
Например, мне очень нравятся фантазийные миры Шона Тана. Его миры, как Вселенная Марвел. Поэтому я часто исследовала его подходы к придумыванию историй и использовала их для создания персонажей и сюжетов. Важно: не копируйте все от корки до мякотки, исследуйте и повторяйте отдельные кусочки. Вы не принтер, вы – исследователь 💪🏻🔥❤️
— Настя Никсен, иллюстратор и бренд-дизайнер
Шаг 7. Сверяйтесь с чувствами
Чувства и эмоции влияют на стиль. Попробуйте подмечать ваши ощущения во время рисования. Связаны ли у вас определенные чувства с конкретными способами рисования? Чувствуете ли вы себя уверенно в одних ситуациях и неуверенно в других?
У меня лично возникают абсолютно разные ощущения в зависимости от стиля, в котором я рисую. Свои лучшие работы я нарисовал, когда внимательно прислушивался к тому, что чувствовал. Также как сейсмограф фиксирует движения земной коры под ногами, рисунки фиксируют движения нашей души. Когда мы рисуем, наши рука, голова и сердце сплетаются в единый поток, и это отражается в итоговом произведении. С практической точки зрения, когда вы делаете наброски для иллюстративного проекта, именно первые эскизы будут наиболее точно отражать ваши эмоции, поэтому в ранних эскизах всегда есть свежесть, которую очень сложно (а порой и вовсе невозможно за приемлемое время) повторить в последующих этапах. Кстати, со временем (с практикой) вы сможете не терять спелость, эмоциональность и живость на этапе скетча, а тащить эти эмоции в до финала.
Шаг 8. Не дайте перфекционизму сжечь все ваше время, энергию и мотивацию творить
Я могу часами расставлять и двигать детали на макете, навязчиво и безрезультатно пытаясь добиться того самого идеального визуального решения. А еще по-прежнему могу легко затеряться и застрять в мелких деталях; например, часами пытаться прорисовать максимально естественные складочки на пальцах руки у героя. Секрет здесь в том, что после N-ного количества часов практики в иллюстрации я осознал, что любую работу можно дотачивать, полировать и улучшать бесконечно. И чем больше я стараюсь и злоупотребляю функцией "Undo" [Отмена], тем хуже получается в итоге. Но самое страшное — это то, что такое стремление к созданию идеальной работы подрывает мою уверенность во всем, что я пытаюсь делать.
Конечно, со временем вы повысите свое мастерство, но помните, что в каждый конкретный момент времени у вас есть то, что есть (текущий скилл). То, чего вам не хватает в точности исполнения, вы должны восполнить каким-то другим способом. Вот тут-то и приходит на помощь интуиция (и это вовсе не значит делать спустя рукава). Интуиция — это отчасти чутье, отчасти доверие и отчасти опыт. Я научился отказываться от попыток бесконечно улучшать свои работы. Со временем я научился прислушиваться к чутью и даже дожимать до результата по своему желанию. Зная, что единственным вариантом является потерять полдня, заблудившись в детальках. Главное двигаться вперед и смело развивать решение, а не просто возиться вокруг формы того, что имеешь.
Вам нужны «мышцы» для борьбы с перфекционизмом и их можно накачать.
Если большое и сложное разделить на маленькие посильные шаги (дробите пока они не станут посильными), можно хорошо продвинуться к результату. А еще чем больше работ у вас в портфолио, тем вы смелее. Поэтому небольшими шагами и в ритме создавайте большие вещи и складывайте их в портфолио как можно раньше.
— Настя Никсен, иллюстратор и бренд-дизайнер
Шаг 9. Проработайте замысел и излучайте уверенность
Даже профи на старте творческого пути, обычно рисуют очень неуверенно (волосатыми линиями). Они берут карандаш и легонечко намечают то, что хотят нарисовать, а потом короткими штрихами пытаются довести рисунок до нужной формы. Рисунки, выполненные таким образом, выглядят слишком продуманными и лишенными уверенности. Если вы хотите, чтобы ваши иллюстрации западали в сердечко, они должны излучать уверенность. Как выглядит эта уверенность? Уверенность — это не серия коротких, робких штрихов, а непрерывная линия, изгибающаяся волнообразно или резко поворачивающая под острыми углами с дикой смесью аккуратности и несдержанности.
Прежде чем ваш работа начнет выглядеть целенаправленно и уверенно, она должна пройти несколько этапов развития. Первый эскиз может быть условным наброском, затем станет скетчем, который станет детальным скетчем — только спустя серию этапов развития он станет выглядеть клево и уверенно, как будто он был сделан без особых усилий. Поэтому, когда мы смотрим на гениальные работы признанных мастеров, то кажется, что им они дались легко. Но именно на это и был расчет.
Шаг 10. Раскрывайте себя и учитывайте обратную связь
Иллюстратору важно взаимодействовать с другими людьми. Важно, чтобы работы находили отклик у аудитории. Поэтому профессиональный рост напрямую связан с обратной связью. Иногда эта обратная связь приходит потому, что вы сами попросили об этом — возможно, спросили совета.
Реальные люди — это тоже важный момент в поиске авторского стиля. С одной стороны кажется, что обратная связь обнажает ваши слабые стороны, но она же и делает вас крепче (дает идеи и другой взгляд на ситуацию). Поэтому выходить из зоны комфорта и повышать мастерство с учетом обратной связи, чтобы наращивать уровень ваших работ. Порой расти над собой — тяжело, но быть напористым, смелым и открытым к новому — единственный способ становиться сильнее. Это справедливо как для развития своего стиля, так и для всего остального.
Вывод и рекомендации
Итак, вот мы и разобрали десять моих лучших способов выработать авторский стиль иллюстрации. Кратко подытожим: важно иметь чувство движения в верном направлении (цели), много практиковаться и экспериментировать, изучать чужие творческие подходы, а также находить способы привнести частичку себя и свои авторские черты в итоговую работу. Когда вы делаете работу с открытым сердцем, щедро делясь с другими, вы начинаете понимать, кто вы как иллюстратор. В определенный момент вы начнете видеть закономерности в своем творчестве и сможете целенаправленно их применять в новых работах. Эта целеустремленность будет проявляться в каждой работе, и именно она и будет привлекать всех как магнит:
Советы выше очень важны, чтобы ваш голос стали узнавать и запоминать, и стали спрашивать уже вас, а не меня, как вы выработали свой стиль.